2022 西村陽平：Yohei Nishimura
西村陽平：Yohei Nishimura
“ 物質と記憶：Material and Memory ”
2022, Dec. 3 ( Sat. ) ー 24 ( Sat. )
「物質と記憶」 西村陽平
モスクワのトレチャコフ美術館で、マレーヴィッチの「黒の正方形」を観た。遠くからは真っ黒な画面であるが、近づいてみると黒の絵の具にひびが無数に入っている。そのひび割れに、しばし見とれたのだが、資料によると黒の画面の下には色の絵の具が塗られているということだ。この作品が描かれたのは、1915年。日本では大正時代だ。マレーヴィッチの意図のすごさに驚いたのだが、絵の具という物質が時間の経過とともに、マレーヴィッチの意図を超えてゆくように感じた。しかし、どこまで考えていたのだろうか。
私がトレチャコフ美術館を訪れたのは、今年の1月27日。そして、ロシアのウクライナ侵攻が2月24日に始まった。
西村陽平の創作の原点は、東京教育大学（現在 筑波大学）で専攻していた彫塑に興味が持てず、同じ大学の陶芸コースで教鞭をとっていた里中英人との出会いから始まったようです。前衛陶芸集団「走泥社」の中でも里中は、特にコンセプチュアルな社会派の作風で知られていました。また当時の日本では、欧米からのミニマルアートやコンセプチュアルアートの情報が伝わってきた時代でもありました。そのような状況の中、西村がその頭角を表したのが1975年の「第3回日本陶芸展」の入選作「伝道の書」でした。缶・王冠・スプーン等が焼成されただけで、微かに原形をとどめながらも変形し、想像とは異なった姿の物質と化す作品でした。西村の手法はただただシンプル、「焼成」という過程を経た物の変容による新たな物質の創造と言えるものでした。土を使った、いわゆる「陶芸」とは異なった作風で、西村陽平は現代陶芸の騎手として陶芸界に認知されてきたのです。
今回の展示作品もその系譜に連なる作品になっています。焼成されたペットボトルは溶けながらも元の形状をとどめています。私たちは、液化しその後また凝固したその痕跡の荒々しい表面を観ながら、炎の力強さと変身した物の新たな美しさ発見することになります。その視覚体験は、茶道の「侘・寂」という美意識にも通じるかもしれません。また西村の「焼成」による作品はそれだけではなく、陶芸と美術、火と人類の歴史など多岐にわたる諸問題を炙り出す大きな意義もあるのです。西村の作品は陶芸界だけに留まらず、広く現代美術というフィールドで語られるべき重要な作家と言えるのです。今回の展示は焼成の作品を中心に、もうひとつの「焼成」の手法を用いない重要なシリーズ、書籍を素材にした作品を若干展示いたします。よろしくお願い致します。
“ Material and Memory ” Yohei Nishimura
I saw Malevich's " Black Square " at the Tretyakov Museum in Moscow. From a distance, the painting was pitch black, but up close, the black paint had numerous cracks in it. According to the document, colored paint was applied underneath the black screen. This work was painted in 1915. In Japan, during the Taisho period. I was amazed by the greatness of Malevich's intention, but I felt that the substance of paint seemed to go beyond Malevich's intention with the passage of time. But to what extent did he have that in mind?
I visited the Tretyakov Museum on January 27 of this year. Then the Russian invasion of Ukraine began on February 24.
The origin of Yohei Nishimura's creative process dates back to his student days at Tokyo University of Education (now Tsukuba University). At the time, Nishimura was not interested in sculpture which was his major, so he took a ceramics course at the same university. His encounter with Hideto Satonaka, who was teaching there, had a great impact on Nishimura's later life. Satonaka was known for his conceptual style, especially among the avant-garde ceramics group "Sodeisha," . At the time, Japan was also in the midst of the arrival of information on minimal art and conceptual art from Europe and the United States. Under these circumstances, Nishimura's art work first came to attention in 1975 when it was selected for the "Third Japan Ceramic Art Exhibition," and was titled " Book of Ecclesiastes " . It was a work in which cans, crowns, spoons, etc. were simply fired, slightly deformed from their original form, and looked different from what was imagined. Nishimura's method was simple: the creation of new materials through the transformation of objects through the process of "firing. With a style different from the so-called "ceramic art" using clay, Yohei Nishimura has been recognized in the ceramic art world as a leader of the contemporary ceramic art.
The works in this exhibition are part of that lineage. The fired PET bottles retain their original shape while melting. We discover the power of the flame and the new beauty of the transformed object as we look at the rough surface of the traces that liquefied and then solidified again. This visual experience may be related to the aesthetic sense of “ wabi and sabi ” of the tea ceremony. Nishimura’s “ firing ” works are also significant in that they reveal a wide range of issues, such as ceramics and fine art, and the history of fire and humankind. Nishimura’s art works are not limited to the world of ceramics, but he is an important artist whose works should be discussed in the field of contemporary art more broadly. In this exhibition, we will show mainly “ fired ” works and a few works from another series that does not use the “ fired ” method, works made from books. Please expect Nishimura’s new works !